CINEMAFRICA | Africa e diaspore nel cinema

Cannes 66. Cleopatra dallo schermo a Itunes

2013-05-21T10:49:15Z

E' stato presentato al Festival di Cannes il restauro del kolossal simbolo di Cinecittà, che ha segnato gli anni della Hollywood sul Tevere, noto per lo scandaloso amore tra Richard Burton ed Elizabeth Taylor.

Distribuito nel 1963 dopo una lavorazione lunghissima e tormentata che vide l'alternarsi di due set da Londra a Roma, il passaggio del testimone da Rouben Mamoulian a Joseph L.Mankiewicz, Cleopatra è proposto nella versione cinematografica originale di 243 minuti, meticolosamente restaurata in occasione del suo cinquantenario e proiettata il 21 maggio in anteprima all'interno della selezione Cannes Classics durante l'edizione 2013 del Festival di Cannes.

Il film sarà visibile anche in Italia, con le proiezioni che si terranno sabato 25 maggio e domenica 26 maggio a Milano presso il cinema Odeon e a Roma al cinema Adriano e successivamente martedì 28 maggio in tutte le sale del circuito The Space.

Vincitore di quattro Oscar, girato in 70mm e costato circa trecento milioni di dollari di oggi, Cleopatra sarà inoltre disponibile su Itunes a partire dal 28 maggio nell'innovativo formato Digital HD.

Tra i contenuti speciali è incluso Cleopatra: il film che ha cambiato Hollywood, realizzato dall'American Film Institute, che racconta come il film costituisca una sorta di spartiacque tra due modi diversi di produrre e di intendere il cinema.

Fonte: Primissima

[Maria Coletti]

Cinema africano alla Mostra di Venezia

2013-05-13T09:41:19Z

La Biennale di Venezia annuncia l'avvio di Final Cut in Venice, il nuovo workshop dedicato al sostegno di film africani in fase di post-produzione, che avrà luogo al Lido di Venezia il 29 agosto 2013 alla 70. Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica, nell'ambito del Venice Film Market.

Nel corso del workshop, le copie lavoro di 4 film africani in post-produzione appositamente selezionati, saranno presentate a un audience di produttori, buyer, distributori e programmatori di festival cinematografici internazionali, per favorire possibili partnership di coproduzione e accesso al mercato distributivo.

Final Cut in Venice è realizzato in collaborazione con il Festival International du Film d'Amiens e il Festival International de Films de Fribourg.

La 70ma Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica, diretta da Alberto Barbera e organizzata dalla Biennale di Venezia presieduta da Paolo Baratta, si terrà al Lido di Venezia dal 28 agosto al 7 settembre.

Il workshop si concluderà con l'attribuzione di premi in kind oppure in cash, finalizzati al sostegno economico dei film nella fase di post produzione:

€ 16,800 messi a disposizione da Cinemage/Groupe Image (Paris) per realizzare la correzione colore digitale, corrispondenti a 7 giorni di lavoro (56 ore, tecnico compreso)

€ 15,000 messi a disposizione da Mactari Mixing Auditorium (Paris) per realizzare il missaggio sonoro

€ 10,000 a sostegno dei costi di post produzione in Francia messi a disposizione da CNC - Centre National du Cinéma et de l'Image Animée (Paris)

stampa di una copia in 35m (senza sottotitoli) o partecipazione ai costi di realizzazione d un DCP offerti dal Festival International de Film d'Amiens

stampa di una copia in 35m (senza sottotitoli) o partecipazione ai costi di realizzazione d un DCP offerti da Festival International de Film de Fribourg

€ 6,000 per la fabbricazione di un master DCP e i sottotitoli francesi, messi a disposizione da Titra TVS (Paris)

Data ultima per l'iscrizione e l'invio di 4 copie in Dvd del film: 28 giugno 2013.

Final Cut in Venice è realizzato in collaborazione con CNC, CINEMAGE, MACTARI MIXING AUDIORIUM, TITRA TVS.

Fonte: Cinecittà News

[Maria Coletti]

Vol spécial al DAMS di Roma Tre

2013-05-12T19:49:19Z

Mercoledì 15 maggio, presso il Polo Aule DAMS dell'Università Roma Tre, alle ore 17, è previsto un incontro-dibattito sul film Vol spécial di Fernand Melgar, alla presenza di Leonardo De Franceschi, Michela Fusaschi, Gianfranco Pannone e Ivelise Perniola. Sarà l'occasione per vedere o rivedere insieme uno dei capolavori recenti del cinema del reale, e discutere di CIE, politiche dell'inclusione ma soprattutto della retorica e dell'etica dello sguardo che caratterizzano il film documentario di Melgar.

Vol spécial, salutato con entusiasmo in tanti festival internazionali di primo piano, da Locarno a quello dei Popoli di Firenze, è uno dei rarissimi film girati in un centro di detenzione amministrativa per migranti. Nel caso specifico, si tratta di cittadini di paesi terzi privi di permesso di soggiorno regolare in Svizzera, già formalmente espulsi, e in attesa di essere rimpatriati con voli aerei di linea o con temibili "voli speciali" in cui questi particolari passeggeri vengono legati a sedili semoventi e trasportati di peso nell'aeromobile; questo trattamento, particolarmente degradante e umiliante per la persona, presenta altissimi rischi per la salute del soggetto che viene sottoposto ad esso, tanto che si sono verificati già diversi casi di morte.
Il film da gennaio è oggetto di un'iniziativa di distribuzione civile promossa da ZaLab, in collaborazione con Cinemafrica.

L'appuntamento è mercoledì 15 maggio alle 17 in aula B3, presso il Polo Aule DAMS - Università Roma Tre (via Ostiense 133b).
Il Polo Aule DAMS è raggiungibile con la Metro B (Garbatella) e con i bus 23 e 769.

L'Africa in Italia a Milano: le foto

2013-05-10T12:52:40Z

Abbiamo pubblicato sulla nostra pagina FB le foto scattate da Luca Trevisani nel corso della presentazione di mercoledì 8 maggio alla Libreria Feltrinelli di Via Manzoni a Milano del libro L'Africa in Italia. Per una controstoria postcoloniale del cinema italiano (Aracne Editrice).

L'evento si è svolto in collaborazione con il Festival del Cinema Africano d'Asia e America Latina di Milano, Cinemafrica, Aracne Editrice, Fondazione Wu Ming, Film Tv e Archivio delle Memorie Migranti.

Vai all'album fotografico

Il libro è acquistabile anche on line - in versione cartacea o digitale - sul sito di Arcane Editrice, cliccando qui.

[Maria Coletti]

FCAAAL 2013: i premi

2013-05-10T12:46:36Z

Si chiude oggi l'edizione 2013 del festival del Cinema Africano d'Asia e America Latina di Milano, dopo la cerimonia di chiusura di ieri sera, in cui sono stati attribuiti i premi.

Qui di seguito segnaliamo i titoli di interesse panafricano premiati nelle diverse sezioni del festival.

PREMI UFFICIALI

Premio per il Miglior Film Africano a Coming Forth by Day di Hala Lotfy (Egitto, 2012)

Menzione speciale a Beautés cachées di Nouri Bouzid (Tunisia, 2012)

Premio per il Miglior Cortometraggio Africano al film Fela-Sidi di Damola Adelaja (Nigeria, 2012)

Menzione speciale a Loot di Greg Rom (Sudafrica, 2012)

PREMI SPECIALI

Premio ACRA-CCS al miglior video (lungometraggio o cortometraggio) della sezione EXTR'A
Menzioni speciali ai film:

I segreti di Kabiria di Gianpaolo Rampini (Italia/Kenia, 2012)

Babylon Fast Food di Alessandro Valori (Italia, 2012)

Premio Babel (2.000 €) al miglior film della sezione EXTR'A per l'acquisizione dei diritti di messa in onda sul canale per 24 mesi (con finestra di esclusiva di sei mesi) al film:
Grazie per tutto Signor Presidente di Matteo Bennati (Italia, 2012)

Premio CEM-Mondialità. Premio al miglior cortometraggio africano sui temi del dialogo interculturale assegnato da una Giuria composta da ragazze e ragazzi tra i 15 e i 18 anni di Milano. Il Premio consiste nell'acquisizione dei diritti di distribuzione home-video in Italia.
Il premio va al film: Quand ils dorment di Maryam Touzani (Marocco, 2012)

Premio CINIT – Cineforum Italiano
Il premio consiste nell'acquisizione dei diritti di distribuzione home-video in Italia di un cortometraggio africano.
Bobby di Mehdi Barsaoui (Tunisia, 2013)

Premio CUMSE
Il premio consiste nell'acquisizione dei diritti di distribuzione home-video in Italia di un cortometraggio o documentario africano ed è assegnato da una giuria di rappresentanti delle comunità straniere di Milano e da volontari del CUMSE.
Tu seras mon allié di Rosine Mfetgo Mbakam (Camerun/Belgio, 2012)

Premio ISMU
La Fondazione Ismu (Iniziative e studi sulla Multietnicità) assegna un premio al miglior cortometraggio del festival con valore pedagogico. Il Premio consiste nell'acquisizione dei diritti di distribuzione home-video in Italia ed è assegnato da una giuria composta da docenti.
The Long Way Down di Yasser Howaidy (Egitto/Emirati Arabi Uniti, 2012)

Premio Il Razzismo è una Brutta Storia
Feltrinelli assegna un riconoscimento speciale al miglior film della sezione dedicata ai temi del razzismo e dell'integrazione.
Grazie per tutto Signor Presidente di Matteo Bennati (Italia, 2012)

Premio SIGNIS (OCIC e UNDA) Il premio è assegnato dalla The World Catholic Association for Communication.
Menzione speciale al film Le djassa a pris feu di Lonesome Solo (Costa D'Avorio/Francia, 2012)

[Maria Coletti]

Sta per piovere: un film G2 in sala

2013-05-07T13:11:52Z

Un film sul diritto negato alla cittadinanza ai nati in Italia da genitori stranieri e sul dramma degli immigrati regolari che perdono il lavoro e rischiano l'espulsione. Temi scottanti e attualissimi quelli toccati da Sta per piovere, il film del regista fiorentino Haider Rashid che dal 9 maggio è al cinema, distribuito da Radical Plans.

Il protagonista del film è Said (interpretato da Lorenzo Baglioni), un giovane sicuro ed ambizioso, nato e cresciuto in Italia da genitori algerini, studia e lavora come panettiere part-time a Firenze. Quando, però, il padre perde il lavoro (per il suicidio del titolare dell'azienda dove lavora), la famiglia si trova di fronte alla lacerante realtà di non poter rinnovare il permesso di soggiorno, come fa puntualmente da trent'anni, e riceve un decreto di espulsione. La vita di Said prende improvvisamente una piega scura: l'Italia, il Paese che ha considerato sempre suo, appare ora come un muro di gomma che lo spinge a ‘tornare a casa', in Algeria, luogo che lui non ha neanche mai visitato.

"Volevo rappresentare una nuova realtà in Italia cercando di uscire dagli stereotipi sugli stranieri dando voce ai ragazzi di seconda generazione che si vedono negati un diritto basilare", dice il regista Rashid, nato e cresciuto in Italia da un iracheno scampato alle persecuzioni di Saddam Hussein e una calabrese emigrata a Firenze, e al suo quarto lavoro dopo Between Two Lands, Tangled Up in Blue e Silence: All Roads Lead to Music.

[Maria Coletti]

Addio a Lotfi Dziri

2013-05-06T07:52:17Z

L'attore tunisino Lotfi Dziri (nato a Carthage il 6 gennaio 1946) è morto la mattina del 5 maggio dopo una lunga malattia.
Dziri, che ha interpretato Making Of di Nouri Bouzid e Fausse note di Majdi Smiri, era celebre anche per le sue interpretazioni televisive nella sitcom Choufli Hal e per il ruolo di Abdallah Souilah nel feuilleton Gamret Sidi Mahrous.

[Maria Coletti]

Saleh: dai graffiti al thriller in Svezia

2013-05-03T08:13:34Z

Il produttore, animatore e regista svedese di origini egiziane Tarik Saleh — Metopia (2009), Future Film Festival Digital Award a Venezia — sta completando le riprese del suo nuovo film, Tommy.
Stavolta Saleh (negli anni '90 tra i principali artisti di graffiti in Svezia) racconta il mondo criminale di Stoccolma, dove lo sceneggiatore Anton Hagwall ha ambientato la storia del ritorno di Estelle e di sua figlia Isabel. L'anno precedente erano fuggite insieme al marito e padre Tommy, autore di una delle rapine più ricche nella storia della città. Ora la donna vuole la sua parte, prima di sparire e ricominciare una nuova vita con la famiglia. Il denaro, però, non c'è più.
Prodotto da Kristina Åberg (la stessa di Metopia), la major svedese Svensk Filmindustri lo distribuirà in patria a febbraio 2014.
Fonte: Cineuropa

[Maria Coletti]

Sembène restaurato a Cannes

2013-05-02T12:56:04Z

Nella sezione Cannes Classics del Festival di Cannes verrà presentata l'edizione restaurata del cortometraggio Borom sarret (1963) di uno dei padri del cinema africano, il sengalese Ousmane Sembène.
Il film è stato restaurato sotto l'egida della World Cinema Foundation di Martin Scorsese e realizzato dalla Cineteca di Bologna e il suo laboratorio L'Immagine ritrovata in collaborazione con il francese Institut National de l'Audiovisuel.
A cinquant'anni di distanza sarà dunque possibile (ri)vedere il film che ha segnato simbolicamente e non solo gli inizi del cinema africano e il suo successo all'estero, come scrive lo storico Frank Ukadike: “Con la proiezione di Borom sarret si ebbe la sensazione di una vera produzione cinematografica africana. Al Festival Internazionale di Tours del 1963 il film passò alla storia come prima opera cinematografica africana vista da un pubblico pagante di spettatori di tutto il mondo”.

[Maria Coletti]

Premio Mutti: i vincitori

2013-04-23T11:35:55Z

Annunciati a conclusione del festival Human Rights Nights di Bologna, i vincitori del Premio Mutti – AMM 2013: Alfie Nze per il docu-fiction Verdilizante e Martin Errichiello e Gabriele Sossella per il cortometraggio Arcipelaghi.

Verdilizante di Alfie Nze vince il premio per la produzione cinematografica per la realizzazione di un docu-fiction sulla storia della "Nave dei Veleni - Karen B" battente bandiera italiana e diretta in Nigeria, e la storia personale di Alfie. Un progetto che costruisce un ponte ideale tra Italia e Nigeria, intrecciando racconti obiettivi e vissuto.

Arcipelaghi di Martin Errichiello e Gabriele Sossella vince il premio per la sezione “Memorie migranti”, dedicato a registi under 30 di qualsiasi nazionalità sul tema dell'immigrazione in Italia ed è il ritratto di Mohamed, ragazzo egiziano giunto giovanissimo in Italia per evitare il servizio militare, condannato a vivere lontano da casa fino al compimento dei 31 anni.

La giuria del Premio Mutti – AMM ha deciso inoltre di assegnare una menzione per ciascuna sezione: al cinema dei registi migranti è stato segnalato il progetto del regista indiano Harvinder Sing dal titolo I cinque favoriti, scritto in collaborazione con Saverio Paoletta, che affronta in modo originale il tema poco raccontato ma di grande attualità della comunità Sik dell'agro Pontino.

Per la sezione Under 30, la giuria ha deciso di dare una menzione al diciassettenne afgano Morteza Kaleghi, autore del video La polvere di Kabul, un documento che raccoglie una serie di immagini straordinarie girate con il telefono cellulare sul percorsomigratorio dall'Afghanistan all'Italia, e realizzato all'interno del Progetto Civico Zero sostenuto da Save the Children.

Il Premio è promosso dall'Associazione Amici di Giana, dalla Cineteca di Bologna, dall'Archivio delle Memorie Migranti (AMM)e dall'associazione Officina Cinema Sud-Est con il sostegno di Open Society Institute e Fondazione lettera27.

[Maria Coletti]

Cannes 66. Millefeuilles/Man'moutech

Leonardo De Franceschi — 2013-05-23T13:42:32Z

È piuttosto triste constatare come tanti festival maggiori, Cannes in testa, finché si è trattato di rendere omaggio alle cosiddette primavere arabe, nel 2011 hanno organizzato in tutta fretta proiezioni speciali, inserendo in programma documentari o film di finzione, pur di esibire una vicinanza politica ai movimenti di liberazione in atto. Questa apertura non si è tradotta affatto, tuttavia, in attenzione e sostegno nei confronti di quei cineasti che hanno contribuito in modo decisivo, negli ultimi vent'anni, a tener viva la fiaccola dello spirito critico e della libertà d'espressione. Cineasti come Nouri Bouzid, che lo scorso ottobre ha dovuto presentare in prima mondiale il suo ultimo film Man'moutech (in arabo tunisino “io non muoio”) non a Cannes, a Venezia o a Berlino, ma all'Abu Dhabi Film Festival, première che gli è valsa il premio alla regia, seguita da diverse altre selezioni, ultima delle quali quella al FCAAAL di Milano.

13 gennaio 2011. Siamo a Tunisi, in piena guerra tra la piazza e il regime di Ben Ali. Zeinab (21 anni) e Aicha (27) sono in prima linea nelle manifestazion,i ma la loro lotta per la libertà passa anzitutto per l'autoaffermazione nello spazio familiare e lavorativo. La prima (Nour Mziou) studia belle arti per diventare stilista di moda ma tiene all'indipendenza economica, anche se è fidanzata con Ibrahim (Lotfi Abdelli), giovane e facoltoso uomo d'affari, e fa la cameriera in un grande bar. La seconda (Souhir Ben Amara) mantiene da sola due sorelle e un nonno, lavorando nello stesso locale, ma nella cucina, come pasticcera. Sono come sorelle e abitano cento metri una dall'altra, ma l'una circola liberamente, insofferente di ogni restrizione, mentre l'altra ha deciso di coprire i capelli con una kefia, per difendersi dall'aggressività degli uomini, avendo peraltro alle spalle un aborto, a causa di un rapporto naufragato per manifesta immaturità dell'ex.

In poche settimane si gioca il destino loro e di un'intera nazione. Sono infatti entrambe minacciate e costrette a fare scelte rischiose per difendere la propria libertà. Attorno a loro si crea un'interessata alleanza tra il secolarizzato Ibrahim, amante del vino e della bella vita, e Hamza (Bahram Alaoui), fratello maggiore di Zeinab e legato in passato ad Aicha, che riesce a fuggire di prigione dov'era finito per la sua vicinanza agli islamisti radicali. I due fanno fronte comune per spingere Zeinab a prendere il velo ed entrambe a lasciare il bar. Se per mettere al muro Zeinab vengono mobilitate anche la madre e la zia, che non esitano a chiuderla in camera a chiave e a drogarla di tisane di papavero (khochkhach), a insidiare Aicha è anche il datore di lavoro, che oltre a molestarla vorrebbe spostarla a servire ai tavoli, forzandola a togliersi il velo. Il Paese è in movimento, stretto nella morsa tra agenti del regime e salafiti, e i soggetti più fragili, come Zeinab, Aicha e il suonatore ambulante Ammou, interpretato dallo stesso Bouzid, rischiano di venire travolti.

Finanziato dal fondo di sostegno al cinema nazionale nel 2010, quando era ancora fondamentalmente una storia di amiche separate dalla scelta del velo, Man'moutech ha avuto una genesi comprensibilmente travagliata. Bouzid ha iniziato a girare nell'autunno 2011, tra le elezioni legislative dell'ottobre e la formazione del primo governo a guida Ennahda, con una sceneggiatura ridefinita negli ultimi mesi. Questa prossimità temporale alle settimane cruciali della rivoluzione del 14 gennaio fa del film anche uno straordinario documento quasi in presa diretta sul reale ma, come avviene per gli altri film di Bouzid, la forza del film è altrove, anzitutto nella solidità drammaturgica dell'intreccio e nell'intenso lavoro di casting e direzione d'attori. Pedinandoli con un amore e un rigore che ben dialogano con una composizione figurativamente alta dell'inquadratura, Bouzid regala a questi personaggi una libertà che è quella di crescere, maturare ed evolvere, andando oltre i tratti socio-culturali che potrebbero incastrarli in un cliché precostituito.

Particolarmente delicata la figura del simpatizzante salafita Hamza, che nell'intervista riportata sul pressbook francese del film (qui), Bouzid ha paragonato a se stesso giovane, quando all'indomani del Sessantotto francese si trovò quasi naturalmente ad aderire alla ventata di maoismo militante, salvo poi riprendersi dall'ubriacatura ideologica e prendere consapevolezza dei limiti di quell'esperienza. Non meno significativo il ritratto di Ibrahim: consapevole che la Tunisia del futuro sarà composta al cinquanta per cento da islamisti e al cinquanta da alcolisti, non avrà problemi a galleggiare in grande stile, lui che prende in giro Aicha perché porta il velo e chiede a Zeinab di indossarlo, invocando un diktat materno che non esiste. Colpisce anche il percorso della zia Samia, assoldata dalla sorella cittadina per domare la figlia ribelle Zeinab: il suo cerimoniale liberticida, fatto di ninne nanne e rituali tradizionali, ci ricorda quanta parte le donne hanno svolto per consolidare il potere patriarcale ma neanche lei può reggere alla vista della nipote in crisi d'astinenza da khochkhach.

Dopo essersi autoraccontato sacrificalmente in Making of, Bouzid torna qui ad inscrivere nella diegesi il proprio corpo d'autore/attore, incarnandosi nei panni del suonatore di fisarmonica Ammou. «Spero di non morire prima che la tristezza cada dagli occhi dei miei amici»: recuperando questa struggente poesia dei tempi della propria prigionia per motivi politici, vittima della polizia politica di Bourghiba, e mettendola in bocca a uno dei tanti martiri della violenza terminale del regime di Ben Ali, il regista elabora un nuovo rituale di esorcismo ancora più esplicito, per riscattare l'ostracismo subito all'uscita del film precedente e le esplicite minacce di morte subite dagli ambienti islamisti.

Quest'ultima opera, come lasciano intendere il titolo francese (Millefeuille) e quello internazionale inglese (Hidden Beauties) si offre a una pluralità di pubblici, ma gli strati più nascosti possono essere colti solo da chi vive o conosce da vicino la realtà del suo Paese. Il suo delicato ruolo di intellettuale in prima linea, che Bouzid evoca con una franchezza pasoliniana per taluni forse fin troppo didascalica, suona come un ennesimo richiamo, rivolto a chiunque abbia orecchi per intendere.

Leonardo De Franceschi | 66. Festival di Cannes

Millefeuilles (Man'moutech)
Regia: Nouri Bouzid; sceneggiatura: Nouri Bouzid, Georges-Marc Benamou, Joumène Limam; fotografia: Béchir Mahbouli, Sebastien Goepfert; montaggio: Seyf Ben Salem; musica: Sami Maatougi; scenografia: Khaled Joulak; suono: Michel Ben Saïd, Gérard Rousseau; interpreti: Souhir Ben Amara, Nour Mziou, Bahram Alaoui, Lotfi Abdelli, Nouri Bouzid; produzione: CTV Production, Siècle Productions, Studio 37, Rezo Films, Nouveau Regard Films, France 2 Cinéma; distribuzione francese: Paradis Films; origine: Tunisia/Francia, 2012; durata: 105'

Cannes 66. Grigris

Leonardo De Franceschi — 2013-05-22T19:58:33Z

Portare sulle spalle lʾimmagine di un intero continente è una missione talmente improba che si capisce fin troppo bene la difficoltà con cui Mahamat-Saleh Haroun, regista ciadiano di ritorno a Cannes a tre anni da Un Homme qui crie, abbia definito il suo approccio alla domanda, tendenziosa e in qualche modo irricevibile, ricevuta da un giornalista della tv ufficiale del festival, a pochi minuti dalla conferenza stampa di oggi. Sottraendosi a ogni ruolo di portavoce dellʾAfrica, in quanto unico autore africano in concorso, Haroun ha sottolineato il suo intento di “rendere normale” (ha usato il termine banaliser) la presenza di un film africano in concorso.

In conferenza stampa, ha rivendicato tuttavia lʾimportanza per un regista africano di essere in competizione nel festival più importante del mondo, così da contribuire a rendere il cinema africano più visibile. Sarà il caso di valutare appieno queste parole, senza che lʾurgenza di questa battaglia per la visibilità ci impedisca di dar conto compiutamente di questa opera quinta di Haroun, che si chiama Grigris come il soprannome del protagonista. Il giovane, nella vita e nel film, si chiama Souleymane Démé, e Haroun lʾha scoperto per caso durante uno degli ultimi Fespaco, trasformando quella che altrimenti sarebbe stata una storia di trafficanti di benzina, un polar ambientato nei bassifondi della Ndjamena notturna, in una storia dʾamore (im)possibile.

Lui è, appunto, Souleymane alias Grigris. Di lui sappiamo che è burkinabè di padre, mentre la madre è di Ndjamena. Di giorno dà una mano al patrigno Alioune nella gestione del suo laboratorio di sarto-fotografo, di notte si dedica allʾunica vera passione, che è la danza, esibendosi nei locali della città, malgrado abbia una gamba inerte. Lei è Mimi, una giovane dalla bellezza folgorante, meticcia, che si prostituisce per clienti facoltosi, soprattutto bianchi, nascondendo il fatto di essere figlia di un padre francese mai conosciuto sotto una vistosa parrucca afro: anche lei ha un sogno, diventare modella, per questo va da Souleymane a farsi fare alcune foto per un concorso di bellezza, dopo averlo visto far esplodere la dance hall con il suo talento. Non è proprio il classico colpo di fulmine, il loro, ma entrambi sentono di avere qualcosa in comune.

La moda e la danza aspetteranno: Mimi viene rifiutata al concorso e Souleymane si trova da un giorno all'altro a dover prendere in mano la famiglia, perché il patrigno ha un attacco di cuore, viene ricoverato dʾurgenza e per le cure ci vogliono 700 mila franchi CFA (poco più di mille euro). Deve quindi implorare il boss del quartiere, Moussa, perché, nonostante il suo problema alla gamba, lo prenda a lavorare con lui nel contrabbando di benzina. Souleymane ci mette lʼanima, rischia di annegare, chiede una seconda opportunità e rischia il tutto per tutto, vendendo in proprio la benzina a un terzo, girando i soldi al patrigno, fingendo con Moussa di essere stato derubato dalla polizia.

Scoperti, fuggono Grigris e Mimi, romanticamente, in motorino, fino al villaggio dʼorigine della ragazza. È lì che si gioca il loro destino, in uno spazio utopico popolato di donne e bambini che reinventano la tradizione, approfittando della lontananza degli uomini, impegnati al lavoro nei campi fino al raccolto. Ma bisognerà danzare al massimo, e conquistarsi lʼamore di queste donne e questi bambini, per assicurarsi una vita che assomigli un poʼ ai propri sogni sfolgoranti piuttosto che alla spettrale vita notturna di Ndjamena.

Fin qui il plot, esile, costruito e rielaborato in funzione della fisionomia e della storia personale dei due protagonisti, entrambi esordienti. Se negli ultimi due film di Haroun lʼintreccio aveva una scansione drammaturgica densa, dal respiro dichiaratamente epico, in Grigris riemergono il tessitore di apologhi di Bye bye Africa e Abouna e insieme la leggerezza di uno sguardo orientato alla descrizione piuttosto che alla narrazione, al fait divers emblematico piuttosto che alla scultura dei caratteri nel tempo. Il piacere del gesto filmico e del dettaglio sono lì a trasfigurare questi piccoli eroi senza storia. Ma a bucare empaticamente lo schermo è, più che la persona di Souleymane Démé/Grigris, il suo memorabile corpo danzante, nelle sequenze in cui, libero da ogni compito narrativo e drammaturgico, trasforma la propria performance in energia visiva pura, dimostrando come la passione e la determinazione possano piegare persino la natura.

Ma la struggente verità umana di Souleymane non basta a far decollare questa favola polar. Forse perché quello di Grigris è un corpo performativo danzante, tanto agile in scena quanto rigido davanti a una cinepresa che si raccoglie nellʼosservazione fenomenologica del suo volto. Forse perché la fotogenia ottusa (nel senso barthesiano) di Anaïs Monory rende poco assimilabile la sua Mimi al club dei marginali, benché meticcia, comʼera nelle intenzioni di Haroun. Forse, ancora, perché, in ossequio a una ratio di ordine squisitamente produttiva, nel film si parla poco, ma quando lo si fa ci si rimpalla battute in un francese metropolitano, discretamente inverosimile per il contesto sociale descritto. Si capisce molto bene perché Haroun si sia innamorato di questo soggetto e soprattutto di questo personaggio, ma lʼimpressione è che, nellʼarchitettura complessiva del film, il regista-produttore non sia stato assistito da quella lucidità e ispirazione che lo avevano accompagnato nelle sue prove precedenti, e soprattutto in Daratt, che rimane finora la sua opera più cristallina.

Stimiamo troppo Haroun per pensare che Grigris, da difendere per una sana politique des auteurs con le unghie e con i denti dai detrattori, che non mancheranno, meritasse i riflettori, talvolta impietosi, della competizione. Ci auguriamo di cuore che la scommessa della visibilità paghi, per il regista e per il cinema africano tout court, anche quando, come in questo caso, il nitore dello sguardo registico non basta a riscattare le incertezze sceneggiatoriali e di messinscena.

Leonardo De Franceschi | 66. Festival di Cannes

Grigris
Regia e sceneggiatura: Mahamat-Saleh Haroun; fotografia: Antoine Héberlé; montaggio: Marie-Hélène Dozo; musica: Wasis Diop; costumi: Anne-Marie Giacalone; suono: André Rigaut; interpreti: Souleymane Démé, Anaïs Monory, Cyril Guei, Marius Yelolo; produzione: Pili Films, Goï Goï Productions, France 3 Cinéma; distribuzione: Les Films du Losange; origine: Ciad/Francia, 2013; durata: 101'

Cannes 66. C'est eux les chiens...

Leonardo De Franceschi — 2013-05-22T08:37:53Z

Presentato tre giorni fa in una strabordante sala del cinema Les Arcades, all'interno della sezione parallela organizzata dall'ACID (Association du Cinéma Indépendant pour sa Diffusion), come già il precedente The End, C'est eux les chiens... segna un ennesimo punto a favore del 36enne regista casablanchese, che ha alle spalle anni di gavetta come regista, sceneggiatore e direttore tecnico della factory di Nabil Ayouch, Film Industry. Ayouch, tra i nomi di punta del cinema marocchino di oggi, ha prodotto e accompagnato con passione il suo regista alla presentazione cannense, seguita da un partecipato q&a.

Il film si apre sulle immagini di una manifestazione contro il governo. Siamo in piena primavera araba del 2011, ma non in Tunisia o in Egitto, bensì a Casablanca, capitale economica del Marocco. Un giornalista della tv pubblica sta facendo un servizio con la sua troupe, quando per caso si imbatte in un vecchietto smunto sulla sessantina, dall'aria un po' confusa, che si aggira tra la piccola folla dei manifestanti. Prova a fargli qualche domanda, ma il vecchio risponde elusivamente e fa per andarsene. Tirandosi dietro la troupe, il giornalista comincia a tallonarlo e scopre che l'uomo, uscito trent'anni fa per comprare fiori alla moglie e uno stabilizzatore per la bicicletta del figlio, si è trovato implicato suo malgrado nelle manifestazioni del giugno 1981, a sostegno di uno sciopero generale provocato da un aumento improvviso e insostenibile dei prezzi del pane e dei beni di primo consumo. Erano i terribili "anni di piombo" in Marocco e il regime di Hassan II rispose col pugno di ferro, schiacciando il movimento con una repressione di piazza e carceraria che ha provocato centinaia di morti e cinquemila arresti sommari e detenzioni senza processo, ivi compreso il nostro protagonista.

Dopo trent'anni in questo buco nero della storia marocchina recente, il vecchio riemerge con solo un numero di matricola in testa, il 404, e qualche esile ricordo che consente ai membri della troupe di accompagnarlo all'interno di una picaresca caccia al tesoro della memoria. Tra false piste (vecchi conoscenti che muoiono d'infarto vedendolo ricomparire) e falsi amici (il giornalista impegnato che nel frattempo si è venduto al potere), vicoli ciechi (la casa dove abitava con la famiglia è stata lasciata) e labili indizi (da una battuta del giornalista apprende che il figlio è diventato un famoso ciclista), il vecchio riesce finalmente a rincontrare prima la moglie e poi il figlio, non senza che, in corso d'opera, vengano a galla brandelli di verità non troppo edificanti sul suo conto. Il giovane 404 era un vitellone senza qualità, viveur e amante delle belle donne, che portava in un pied-à-terre di periferia (diventato nel frattempo ostello di fortuna per un gruppo di immigrati africani), non stava quasi mai a casa e non era proprio un padre modello.

Dopo tante amarezze, rimane per il vecchio 404, più che la soddisfazione di un'intervista prime time in tv, il piacere di smezzarsi una sigaretta col nipote Sofiane, appena rilasciato dalla polizia per aver partecipato al movimento del 20 febbraio, e di passargli perfino un trucchetto su come fare più punti alla playstation - lui, che non sa manco cosa sia un cellulare e va in giro con banconote fuori corso - rivelatogli dall'operatore smanettone della troupe televisiva. Il problema, nella società e nel cinema arabi, è sempre il rapporto col padre, tra figli e nipoti non è così difficile intendersi.

Se The End era come un remake tarantiniano di un film espressionista degli anni Venti, provocatoriamente radicale in ogni sua scelta di impaginazione visiva, C'est eux qui sont les chiens... (il titolo è una citazione dal poeta iracheno Ahmed Matar, improvvisata dall'attore protagonista) porta alle estreme conseguenze un partito preso preciso, vale a dire l'estetica del reportage televisivo. Il film parte dalle immagini in presa diretta della manifestazione, esibendo ostentatamente tutti i vizi e le imperfezioni tecniche della ripresa senza mediazioni (fuori fuoco, vibrazioni, décadrages, suono che va e viene per le batterie esaurite del microfono...) ma sviluppa questa linea metadiscorsiva fino alla fine, tra un passaggio di mano e l'altro della videocamera, compreso un suo surreale scippo in moto mentre era accesa.

Il tour de force audiovisivo, che produce un'immagine tutt'altro che aleatoria ma assai calibrata sul piano compositivo, sul piano drammaturgico funziona finché lo spettatore aderisce alle umane vicissitudini del protagonista, interpretato in chiave sottilmente ironica dall'attore di teatro Hassan Hadida, un sornione Monteiro marocchino, e questo avviene soprattutto nella prima parte, dal tono appunto paradossalmente a tratti comico o persino farsesco. Nella parte centrale si ha una sorta di cambio di registro verso il drammatico-patetico e ne risente la tensione drammaturgica, per risollevarsi nel finale.

Attraverso le testimonianze di alcuni partecipanti alle manifestazioni e di altri, più disillusi osservatori della scena politica, comprendiamo la particolarità della situazione marocchina nello scacchiere arabo: qui la presenza della corona ha fatto da argine in qualche modo all'avanzata del blocco di potere islamista, consentendo un negoziato processo di crescita democratica che però sta lasciando sostanzialmente invariati i rapporti di forze all'interno della società. Si fa largo tuttavia la necessità di fare chiarezza sui buchi neri della storia marocchina, a partire dal periodo degli "anni di piombo".

Nel suo carattere di radicalità espressiva, pur nato apparentemente nell'urgenza (Lasri ha detto di averlo realizzato in un anno e mezzo, contro i quattro del precedente), C'est eux les chiens... conferma l'energia anticonvenzionale di Lasri, soprattutto nella parte farsesca, che presenta curiose affinità con il tunisino VHS Kahloucha. Quando invece il quadro vira a tinte più crepuscolari, il film perde credibilità sul piano drammaturgico e il partito preso estetico torna a pesare sull'economia simbolica del tutto; non mancano riferimenti diretti e non a film che come Mémoires en détention di Ferhati hanno raccontato la pagina tragica degli imprigionamenti sommari attraverso la parabola di un maestro di scuola progressista e ad altri come Youcef la légende du septième dormant che, partendo dalla figura del personaggio rimasto recluso per trent'anni, raccontano la corruzione del blocco di potere insediatosi all'indomani dell'indipendenza.

Leonardo De Franceschi | 66. Festival di Cannes

C'est eux les chiens...
Regia e sceneggiatura: Hicham Lasri; fotografia: Ali Benjelloun; montaggio: Safaa Baraka; suono: Said Radi ; interpreti: Hassan Badida, Yahya El Fouandi, Lmad Fijjaj, Hassan Hasska, Jalal Boulftaim; origine: Marocco, 2013; durata: 85'; produzione: Nabil Ayouch per Ali n' Films.

La fine del mondo

Alice Casalini — 2013-05-21T12:00:20Z

Il 2012 è ormai alle nostre spalle ma il mondo del cinema non ha perso l'occasione di sfruttare l'immaginario che si era creato attorno alla profezia dei Maya, su tutti ovviamente 2012 di Roland Emmerich.
Quale sarà la catastrofe mondiale che distruggerà la terra e cosa resterà dopo? A questa domanda cinema e letteratura di fantascienza hanno sempre cercato di rispondere, in particolare si è creato un vero e proprio filone de “il giorno dopo” che ha lavorato sull'immaginarsi cosa resterebbe della terra e sulla terra dopo una catastrofe mondiale.

È il 1959 quando Ranald MacDougall scrive e dirige La fine del mondo (The World, the Flesh and the Devil), film di fantascienza ispirato al romanzo di M.P. Shiel, The Purple Cloud e al racconto di Ferdinand Reyher, End of the World. Protagonista de La fine del mondo è il cantante e attore di origini giamaicane Harry Belafonte che nel '59 era probabilmente all'apice del suo successo.
Nel 2012 la Sinister Film ha deciso di riscoprire alcune pellicole di fantascienza tra le quali appunto La fine del mondo, uscito nell'edizione homevideo proprio a dicembre del 2012. Privo di particolari contenuti extra, fatta eccezione per una Photogallery, il dvd de La fine del mondo rimane un'occasione per riscoprire un film interessante.

Un minatore afroamericano, Ralph Burton, rimane intrappolato per cinque giorni in un tunnel di una miniera. Sopravvissuto a un crollo, aspetta con fiducia i soccorsi, ma quando perde le speranze inizia a scavare e riesce ad uscire. Una volta fuori si ritrova in un mondo devastato da una catastrofe nucleare: Ralph parte alla volta di New York nella speranza di trovare altri sopravvissuti. Nella città trova una radio, scopre quello che è accaduto e decide di provare a salvare la memoria del genere umano recuperando opere e libri. Un giorno però Ralph scopre di non essere solo, a New York si è salvata anche Sarah Crandall una giovane e bella ragazza, della quale s'innamora. I due provano a ricominciare una nuova vita nella speranza di rintracciare altre persone. Un giorno nelle acque di New York arriva un'imbarcazione sulla quale si trova Benson Thacker. Allora i sopravvissuti sono tre, due uomini e una donna e gli equilibri iniziano ad incrinarsi.

La fine del mondo è un film stratificato che all'interno della cornice della fantascienza sviluppa sia un filone intimista, soprattutto nella prima parte del film quando Ralph crede di essere l'ultimo uomo rimasto sulla terra, per poi trasformarsi in una dramma sentimentale che si sviluppa attorno alla riflessione sul razzismo. Ralph, interpretato da Harry Belafonte, e Sarah (Inger Stevens) s'innamorano ma apparentemente il loro è un amore impossibile perché Sarah è una donna “libera , bianca e maggiorenne” mentre Ralph è un “negro, un uomo di colore con la pelle nera”. Il loro è un rapporto impossibile che non sarebbe neppure stato immaginabile senza la distruzione del mondo. Ralph e Sarah portano al centro del film un tema caldo, soprattutto se si guarda al contesto socio-culturale di quegli anni, quando i matrimoni interrazziali erano proibiti in molti stati e si facevano avanti con sempre maggior forza i movimenti per i diritti civili.

Il film di MacDougall non è dunque solo un precursore dei film de “il giorno dopo”, ma al suo interno ha un focolaio di temi caldi e coinvolgenti che lo caratterizzano e che meglio si adattano al titolo originale The World, the Flesh and the Devil.

Alice Casalini

La fine del mondo (The World, the Flesh and the Devil)
Regia: Ranald Macdougall; sceneggiatura: Ranald Macdougall; fotografia: Harold J. Marzorati; montaggio: Harold F. Kress; musiche: Miklós Rózsa; scenografia: Paul Groesse, William A. Horning; interpreti: Harry Belafonte, Inger Stevens, Mel Ferrer; origine: USA, 1959; durata: 95'; produzione: HarBel Productions; produzione homevideo: Sinister Film; distribuzione homevideo: CG Homevideo; data di uscita: dicembre 2012;
DVD nella confezione: 1; supporto: DVD9 – singolo lato doppio strato; regione: 2; formato video: 2.35:1; formato audio: Dual Mono; tracce audio: Inglese, Italiano; lingue sottotitoli: Italiano; contenuti extra: Photogallery

Cannes 66. Zero

Leonardo De Franceschi — 2013-05-19T19:43:35Z

Lo si ricorda sempre poco ma da anni il Marocco è uno dei pochi Paesi africani a produrre film potenzialmente in grado di attrarre un pubblico internazionale. Che poi dalla potenza si passi all'atto, per dirla aristotelicamente, o meglio che un film anche sulla carta appetibile per il pubblico italiano possa sfondare il muro di gomma dei buyer è tutta un'altra storia, ma Zero, il nuovo noir urbano del regista di Casanegra, Noureddine Lakhmari, passato qui a Cannes nel Marché, troverà comunque un suo pubblico, se è vero che in patria ha già conquistato la giuria del Festival nazionale del film a Tangeri nello scorso febbraio, vincendo il Grand Prix, il premio per il miglior attore maschile e quello per il miglior suono.

In una Casablanca da polar, notturna e spettrale, si agita Amine Bertale, alias Zero (Younes Bouab), un poliziotto di strada che i suoi capi hanno già imparato a conoscere e a isolare dietro una scrivania. Testa calda, alcolista, figlio di un poliziotto senza gloria ma onesto, incattivito da una malattia invalidante e dall'abbandono della moglie (Mohamed Majd), Zero tenta inutilmente di ritagliarsi uno spazio all'interno di un commissariato dominato dalla figura di Marouali, che controlla un ristorante di lusso e tutte le attività illegali della zona, a partire da un bordello a cinque stelle frequentato dalla casta del Paese.

Zero arrotonda ricattando vecchi sorpresi in auto con la prostituta Mimi, facendola passare per minorenne, ma quando il padre ingoia per disperazione la cenere del kif che Zero gli procura, e all'ospedale lo sbirro incrocia la bella dottoressa Kenza (Sonia Chraibi), raffinata e generosa, la sua vita sembra poter uscire dalla solita routine di autodistruzione. Anche perché più o meno in contemporanea, nel suo ufficio si è affacciata una madre di campagna, che cerca la figlia dispersa a Casablanca, l'ennesima di cui si siano perse le tracce di recente.

Ossessionato dall'immagine della ragazza, Zero cerca di alleggerire i giorni che restano da vivere al padre, immobilizzato sulla sedia a rotelle, ma l'uomo vomita risentimento su di lui, trovando sollievo solo nella vicinanza di una prostituta, che il figlio gli porta a casa. Andare fino in fondo al suo desiderio di giustizia lo porterà a mettere a rischio le poche persone che gli sono care, attraversando diversi gironi infernali alla ricerca di questa ragazza sparita nel buio. Unico indizio, una farfalla tatuata sulla schiena, sinistro marchio di fabbrica delle prede finite nel giro di Marouali.

Come il plot lascia intuire, Zero è un thriller nella linea di Casanegra e di altri prodotti negli ultimi anni in Marocco, a partire forse da Mektoub, esordio nel 1997 di Nabil Ayouch. Questo per dire che la materia narrativa su cui lavora non appare particolarmente innovativa. Il film non ha peraltro l'energia survoltata di The End, presentato dall'ACID lo scorso anno, ma poggia in compenso su una messinscena assai controllata e matura.
Muovendosi tra cliché narrativi e visivi del thriller urbano, dominati con una certa economia stilistica, Lakhmari conferma anche la capacità di mettere a frutto le doti degli attori (tutti notevoli, con un dolente, monumentale Mohamed Majd, in una delle ultime prove) e del cast tecnico-artistico. Da segnalare la fotografia espressiva, livida e contrastata al punto giusto, di Luca Coassin, e un uso estremamente efficace della colonna sonora, basata su un mix di cool jazz e musica più tradizionale, che firma l'americano Richard Horowitz.

Leonardo De Franceschi ¦ 66. Festival de Cannes

Zero
Regia: Noureddine Lakhmari; sceneggiatura: Noureddine Lakhmari, Angelique Jarnes; fotografia: Luca Coassin; musica: Richard Horowitz; interpreti: Younes Bouab, Sonia Chraibi, Mohamed Majd, Sonia Okasha; origine: Marocco, 2012; formato: 35 mm, colore, 2.35 : 1; durata: 120'; produzione: Redouan Bayed.

INSIEME PER LO IUS SOLI - 16 maggio 2013

Maria Coletti — 2013-05-16T07:51:10Z

INSIEME PER LO IUS SOLI – 16 maggio 2013
Un documentario breve per sostenere la legge sulla cittadinanza

Cinemafrica aderisce alla giornata lanciata da Zalab a sostegno di una nuova legge sulla cittadinanza che introduca lo Ius Soli.

E' da molti anni che ci occupiamo di migrazioni, di cultura della convivenza, di seconde generazioni e della produzione cinematografica legata in particolare all'Africa e agli afrodiscendenti.

Riteniamo sia un nostro dovere di cittadini italiani partecipare e sostenere campagne per i diritti civili, che dovrebbero essere una priorità del nostro paese, contro la paura, l'odio e le discriminazioni.

Zalab contribuisce con il documentario breve ITALEÑAS un breve video, interno alla serie “Le schegge di Za” prodotte con il sostegno di Open Society Foundation sul tema della cittadinanza. Non si tratta di uno spot o un video ad hoc per una campagna, ma di un minidoc sulla storia di Melina, una ragazza nata in Italia da genitori Ecuadoregni a cui non viene concessa la cittadinanza italiana perché all'età di quattro anni ha trascorso un periodo nel paese dei genitori. La sua storia è raccontata alla radio da Domenica, giornalista di origine peruviana da 22 anni in Italia.

Oggi sarà visibile ad accesso libero sul sito di Zalab e su tutti i siti che appoggiano la campagna.

Di seguito, dopo il documentario, il testo completo della campagna.

ITALEÑAS from Za Lab on Vimeo.

Tante sono state le campagne, sposate da ognuno di noi, sul diritto di cittadinanza dei figli nati in Italia da genitori stranieri, diritto per il quale ultimamente anche il Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano e la neo eletta Presidente della Camera Laura Boldini, hanno speso parole importanti, sottolineandone l'urgenza e l'imprescindibilità.

L'elezione del Ministro dell'Integrazione Cécile Kyenge potrebbe finalmente avviare un percorso legislativo per la trasformazione della legge sulla cittadinanza in direzione dello Ius Soli.

Ovviamente le reazioni non si sono fatte attendere: da quelle più imbarazzanti (come la domanda offensiva della deputata PDL Elvira Savino, che chiede al Ministro se ha intenzione di fare anche una proposta di legge sulla poligamia), alle più tristi discussioni interne ai partiti sul rischio che la proposta della Kyenge comprometta gli equilibri di governo.

La Lega Nord ha addirittura convocato manifestazioni di piazza in tutta Italia il 18 e il 19 maggio per raccogliere firme contro la proposta di legge e suggestioni dei cittadini su quelle che devono essere considerate “priorità” per l'Italia.

Per anni lo spettacolo mediatico degli sbarchi è stato utilizzato per alimentare paure e tensioni. Ora che gli sbarchi sono fortemente diminuiti e le urgenze vere sono legate al disastro economico del Paese, alcune forze politiche tendono ad alimentare odi e discriminazione nei confronti degli stranieri residenti in Italia, a cui viene additata la colpa di "togliere lavoro" agli italiani che non ne hanno più.

La battaglia civile che vi/ci vede impegnati per il riconoscimento dei pieni diritti di cittadinanza agli stranieri da anni residenti in Italia e ai loro figli, nati e cresciuti nel nostro paese, diventa sempre più urgente. Come urgente diventa unire gli sforzi di tutti coloro che si impegnano a diverso titolo in questa battaglia perché le ragioni e le motivazioni di ciascuno possano amplificarne la voce anziché confonderla ed attutirla.

Per questo vi scriviamo. Abbiamo realizzato il mese scorso “ITALEÑAS” un breve video, interno alla serie “Le schegge di Za” prodotte con il sostegno di Open Society Foundation sul tema della cittadinanza. Non si tratta di uno spot o un video ad hoc per una campagna, ma di un minidoc sulla storia di Melina, una ragazza nata in Italia da genitori Ecuadoregni a cui non viene concessa la cittadinanza italiana perché all'età di quattro anni ha trascorso un periodo nel paese dei genitori. La sua storia è raccontata alla radio da Domenica, giornalista di origine peruviana da 22 anni in Italia.

Il lancio di ITALEÑAS era previsto proprio questo mese.

Vista la rilevanza assunta dal tema dello Ius Soli nell'ultima settimana e l'urgenza di sostenere la proposta del Ministro Kyenge e delle forze politiche che la appoggiano, abbiamo pensato di chiedere a tutti voi di partecipare al lancio di Italeñas. Come? Molto semplice: ospitando sulle vostre home page e social network il giorno 16 maggio (e se volete anche nei giorni successivi) il video di ITALEÑAS.

Consapevoli del fatto che non ci sono i tempi e i modi per far partire una vera e propria campagna comune e armonizzare posizioni di diverse associazioni e organizzazioni, la strada più breve ci sembra quella che ognuno sia libero di promuovere il dibattito sul sito e sui social network in maniera autonoma, utilizzando solo il semplice claim comune INSIEME PER LO IUS SOLI! (hashtag #proiussoli) seguito dalla lista delle organizzazioni aderenti.